Estimula tu creatividad

        

        1)      Abréte a todo.
Sé menos crítico, más flexible y tolerante. Trata de entender, de comprender aún aquello que a primera vista te resulte chocante, desagradable o incomprensible. Siempre habrá cosas y obras que no nos gusten o que rechacemos de entrada, pero siempre será importante intentar descubrir qué quizo decir el otro, por qué habrá elegido esa manera o estilo. Intentar descubrir que factores sociales, culturales y psicológicos han hecho que se gestara esa obra de ese modo.Al final de este recorrido es indiferente que hayamos cambiado o no lo que sentíamos por la obra, lo importante habrá sido que de algún modo habremos salido enriquecidos, y no habremos bloqueado nuestra visión ni nuestra propia creatividad, con un jucio precoz del que desconocíamos los motivos.Permanecerá irreductible y ubícua la cuestión del gusto, pero eso ya es otro tema.

        2)      Encuentra tu camino y tu discurso.
En esto debes estar solo, tú contigo mismo a solas. Eres el artista que debe expresarse a sí mismo, sin tener en cuenta para nada cuestiones tales como la aceptación de los demás, sus críticas, el dinero que podrías eventualmente obtener o el mimo del “like”.
Sabrás que estas en “tu” camino cuando sientas el entusiasmo en tus tripas, cuando el corazón te empiece a latir más rápido. Cuando aparezca la taquicardia y desaparezca el paso del tiempo. Cuando el esfuerzo no te cueste y no mires el reloj para saber cuanto has estado en ello.

        3)      Acepta tus polaridades internas.
Dale lugar a tus propias contradicciones, a tus luces y sombras. Sabé que tus gustos y preferencias, aún aquellas cosas que te producen taquicardia pueden ser incoherentes y contradictorios entre sí.
Y se conciente que tú, igual que todos nosotros, somos TODO ESO JUNTO.
Negar alguna parte nuestra es también bloquear nuestra creatividad, y aún más importante, es bloquearnos y restringirnos como persona y poner trabas a nuestra realización y a nuestra felicidad.

        4)      Sal de tu zona de confort.
Esta expresión tan anglosajona es, ni más ni menos, que atreverte a lo nuevo aunque parezca inseguro e infunda cierto temor. Atreverte allí dónde nunca lo has probado, donde no controlas o conoces todas las circunstancias o posibles eventualidades. Es enfrentar los propios miedos e inseguridades, es probar ese camino nuevo que no ofrece las garantías del conocido y cotidiano.

        5)      Prueba, equivócate, fracasa y vuelve a ensayar… JUEGA!
El niño es esencialmente creativo porque para él la vida entera es juego. Y ya sabemos bien que es lo que ocurre después. Pablo Picasso solía hacer mucho incapié sobre esto.
Carl G Jung también: "La creación de algo nuevo no se logra con el intelecto sino con el instinto lúdico que actúa desde una necesidad interior"
El advenimiento de la fotografía digital hoy facilita este juego a costo cero.
El juego coexiste en nuestra naturaleza con la razón y el intelecto; por lo tanto, lo anterior no excluye de la órbita creativa humana ni al proyecto ni a la planificación. Pero estos últimos en soledad, pueden producir obras técnica y compositivamente perfectas, pero con frecuencia careceran de alma. Serán obras efímeras, utilitarias y quizás premiadas, pero de dudosa persistencia en el tiempo, cosa que, entre otras muchas y discutibles caracterizan la obra de arte

        6)      Agrúpate y comparte.
Formar parte de diferentes y variadas formas de grupos (cursos, talleres, clubes, asociaciones, redes virtuales, salidas fotográficas o a muestras, etc) estimula la percepción de las diferencias, la búsqueda de lo propio diferente, el intercambio de ideas y de mimos de reconocimiento y pertenencia. Y, fundamentalmente, es también un buen remedio para la abulia y el bloqueo creativo.

El Cuarto Elemento

Lápiz, cámara, manos pintadas, pincel o lapicera son instrumentos de expresión, creación, con una teoría/técnica detrás. Todos ellos.
Lápiz y pincel parten del papel en blanco (más lo que portamos dentro de nosotros). Igual con la escritura.
Con la cámara, con la fotografía, ocurre algo diferente: partimos de "un preexistente blanco virtual", la cámara con su teoría/técnica (más lo que portamos con nosotros) y de retazos de realidad. Siempre necesitamos una huella de lo real.
Así:
Pintura, dibujo, escritura = Papel blanco + Pincel, lápiz, lapicera y teoría/técnica de uso + Subjetividad
Fotografía = Preexistente blanco virtual + Cámara y teoría/técnica de uso + Subjetividad + Retazos de la realidad (Huellas de lo real)
Diríamos así, que aparece un Cuarto Elemento.
La fotografía nos obliga a una forma de "acuerdo con lo real" y este acuerdo puede tomar muy variadas formas. Puede tomar el aspecto de pictorialismo, realismo, surrealismo, pop, abstracto, etc. Lo que no podrá nunca es prescindir de este "contrato con lo real".
Esto pareciera imponer a la fotografía una limitación respecto de las otras artes antes mencionadas. Sin embargo, creo yo, ello es aparente, pues apenas se trata de una limitación sólo más evidente o inmediata de la que padecen en realidad todas ellas. Hay retazos de realidad dentro de la subjetividad del pintor, del dibujante y del escritor, sin lo cual no habría siquiera conciencia. La diferencia está, concretamente, en que el fotógrafo tiene que emplear, forzosamente, sí o sí, retazos de una realidad externa a su subjetividad.
Y, por lo tanto, la subjetividad del fotógrafo debe buscar llegar a un acuerdo con lo real externo, todavía no internalizado, tal que éste pasa a ser un elemento instrumental más (El Cuarto Elemento). Enriquece así el pool instrumental del fotógrafo en relación al del pintor y escritor. Este Cuarto Elemento es una de las razones del ingreso triunfal de la imagen fotográfica en el arte moderno. La cámara + los retazos de realidad son para el fotógrafo los equivalentes al pincel, espátula y los colores para el pintor.
Así el fotógrafo deberá salir a la búsqueda de estos retazos de realidad, tal y como el pintor medieval o renacentista salía en busca de sus tierras y oxidos. Pero con una diferencia importante: estos retazos de realidad portan significados más densos, persistentes y cristalizados, mucho menos dóciles, que el color de las tierras del pintor.
Y, es esta característica, lo que hace imprescindible este acuerdo muy particular, para emprender el uso de este elemento propio de la fotografía. El fotógrafo deberá "domesticarlo" y al mismo tiempo "somerterse" a sus caprichos, para, con su recurso, lograr expresar el mensaje de su obra.
Aún en el fotoperiodismo, este elemento (la realidad recortada) de fuerte presencia, deberá ser "instrumentado" por el fotógrafo para la obtención de su obra final.

Atención Plena o Mindfulness

El estado de atención plena (Mindfulness) junto a la relajación y el ocio son grandes favorecedores de la creatividad.
Los principios, conceptos y programas del Mindfulnes, Atención plena o Meditación Mindfulness, como aplicación en el ámbito de la salud fueron desarrollados casi en simultáneo por el Dr. Jon Kabat-Zinn (Massachusetts), que desarrollo a partir de éste, el REBAP, Programa para la Reducción del Estrés Basado en Mindfulness (MBSR por sus siglas en inglés) y los Drs. Mark Williams (Oxford) John Teasdale (Cambridge) y Zindel Segal (Toronto), quienes desarrollan la TCBM, Terapia Cognitiva Basada en Mindfulness (MBCT por sus siglas en inglés)
El Dr. Danny Penman contribuyó también a su divulgación. Actualmente forma parte de la curricula de numerosas universidades de habla no inglesa como la Complutense de Madrid y otras.
El concepto primordial sobre el que se asienta el Mindfulness está presente desde la antiguedad en el budismo, el zen, el taoísmo, la meditación cristiana, y pensadores como Krishnamurti, y en la base de la sensibilidad del artistas...

Antes de explicar sintéticamente que se entiende por Mindfulness, quisiera compartir algunos pensamientos sobre la creatividad, con la que está muy relacionado:

- El arte es una acción del alma y no del intelecto.
- No pienses en "lo que deberías hacer", trata de hacer lo que te atrae, piensa en el misterio y no en la perfección.
- A lo largo del tiempo, lo que un artista necesita es entusiasmo, no disciplina.

                                                                                                                   Julia Cameron

Mindfulness

El mindfulness como concepto psicológico es la concentración de la atención y la conciencia, basado en el concepto de mindfulness o conciencia plena de la meditación budista. Se ha popularizado en Occidente por parte de Jon Kabat-Zinn. A pesar de encontrarse sus raíces en el budismo, el mindfulness se enseña desprovisto de cualquier componente o terminología oriental.

Mindfulness o 'conciencia plena' consiste en prestar atención, momento a momento, a pensamientos, emociones, sensaciones corporales y al ambiente circundante, de forma principalmente caracterizada por "aceptación" -una atención a pensamientos y emociones sin juzgar si son correctos o no-. El cerebro se enfoca en lo que es percibido a cada momento, en lugar de proceder con la normal rumiación acerca del pasado o el futuro
.
En este contexto, la rumiación se define como una atención compulsivamente enfocada en síntomas de inquietud, sus posibles causas y consecuencias, contrariamente a sus soluciones. Rumiación se parece a 'preocupación' excepto que la rumiación se enfoca en sentimientos negativos y experiencias del pasado, mientras que la preocupación se ocupa de potenciales eventos negativos en el futuro. Tanto rumiación como preocupación están asociados a la ansiedad y otros estados emocionales negativos. La rumiación ha sido estudiada como un factor cognitivo de vulnerabilidad a la depresión.

El origen del Mindfulness suele situarse hace 2.500 años en la tradición budista con Siddahrta Gautama, Buda, que fue el iniciador de esta tradición religiosa y filosófica y que recibió enseñanzas de otros maestros y él mismo perfeccionó. La herencia de esta tradición es la esencia de la práctica del Mindfulness. El mindfulness moderno está basado en el movimiento budista Vipassana, una antigua técnica de meditación de la india que consiste en "tomar conciencia del momento presente", "tomar conciencia de la realidad".

La psicología clínica y la psiquiatría desde la década de 1970 han desarrollado varias aplicaciones terapéuticas basadas en el mindfulness para ayudar a las personas que sufren de una variedad de enfermedades psicológicas, y de hecho la investigación ha descubierto que las terapias basadas en mindfulness son eficaces, en particular para la reducción de la ansiedad, la depresión, y el estrés

La reducción del estrés basada en la atención plena (REBAP) (Mindfulness-Based Stress Reduction - MBSR) es un programa estructurado de medicina complementaria que utiliza técnicas de atención plena orientado a aliviar el dolor y mejorar el bienestar físico y emocional de individuos que padecen una variedad de enfermedades o trastornos aunque también se ha utilizado en sujetos sanos. Creado por el doctorJon Kabat-Zinn en la Escuela de Medicina de la Universidad de Massachusetts (University of Massachusetts Medical School) los programas REBAP, como en general las técnicas de atención plena, tienen sus raíces en las enseñanzas del budismo.

La base de la REBAP es la práctica de la atención plena, definida por su creador como la "atención momento a momento a la experiencia presente, sin hacer juicios y con una actitud de aceptación". La práctica de esta técnica pretende enseñar a la mente a prestar atención al presente postulando que la disminución de las preocupaciones acerca del pasado y el futuro puede ayudar a aumentar la aceptación y disminuir el estrés.

El concepto de atención plena, originado en el budismo, no tiene naturaleza religiosa ni esotérica: es descrita como atención desapasionada, no evaluativa, y sostenida momento a momento, sobre los estados y procesos mentales perceptibles, lo que incluye sensaciones físicas, percepciones, estados afectivos, pensamientos e imaginación. Se pretende desapasionada y no evaluativa: implica prestar atención sostenida al contenido mental pero sin pensar sobre él, sin compararlo, ni evaluarlo de manera alguna.

El programa pretende constituir un método menos invasivo de conseguir una mejoría de pacientes con enfermedades con dolores crónicos, reducción en el estrés, ayuda con los desordenes de la alimentación y la depresión e incremento de la sensación de bienestar y afirma lograr desde un incremento en la habilidad del sistema inmunológico del cuerpo para protegerlo contra enfermedades hasta un cambio del uso de la corteza cerebral prefrontal derecha, asociada con la ansiedad, depresión y rechazo, hacia la corteza prefrontal izquierda, asociada con el bienestar.

Un estudio afirma que los participantes en programas REBAP que tenían disminuciones en ansiedad, tensión psicológica y depresión, también mostraban un aumento en la empatía y otro de la Escuela de Medicina de la Universidad de Massachusetts plantea que después de completar un curso de REBAP los participantes mostraban un incremento en la materia gris en áreas de sus cerebros improtantes para el aprendizaje, memoria y emociones. Un estudio en enero de 2011 en la publicación "Investigación psiquiátrica: neuroimágen" (Psychiatry Research: Neuroimaging), basada sobre imágenes anatómicas por resonancia magnética (IRM o MRI) de participantes de cursos de Reducción del Estrés Basada en la Atención Plena (REBAP), sugirió que "la participación en REBAP está asociada con cambios en la concentración de materia gris en regiones del cerebro involucradas en los procesos de aprendizaje y memoria, regulación emocional, procesamiento autoreferencial, y toma de perspectiva"

Proyecto Celular 30/30

El objetivo de esta actividad es estimular y desbloquear la creatividad (en este caso la fotográfica).
Se trata de captar una serie de imágenes, con las que contamos una historia o describimos un lugar o experiencia. Tienes que tomar 30 fotos con tu smartphone, y para ello tienes 30 minutos, de allí en nombre 30/30.

1) Carga bien la batería de tu celular y asegúrate tener espacio para las fotos.

2) Programa el Timer (cuenta regresiva) de tu celular para que suene la alarma a los 30 minutos.

3) Comienza a tomar fotos, aproximadamente a intervalos de 1 minuto. Suéltate y captura todo que te llame la atención. Aquí trabajamos con la improvisación y la espontaneidad, no te preocupes demasiado si la foto va a salir bien o no. Simplemente captura imágenes como en músico de jazz captura sonidos improvisando.

4) Sal de tu casa, da un paseo, visita algún sitio que te guste o simplemente siéntate delante de tu escritorio o recorre tu casa.

5) Prepara un collage con las fotos que más te gusten

6) Obsérvalas...

Este es un ejemplo de lo que puede surgir de esta actividad
(aquí están todos las fotos sacadas durante la misma)

JUEGA Y DISTIÉNDETE!

                       

              

15 Consejos para Retratos más "potentes"

1.    Sea respetuoso:
Esta es la regla número 1. No importa si estoy fotografiando un niño pobre en Laos o un CEO de una gran compañía en New York – siempre respeto la persona a quién estoy fotografiando. Yo actúo según la consigna: “usted nunca se debería acercar a la gente para tomarle su foto; usted tendía que tomar su foto para acercarse a ellos”. Actuar como si su cámara es un puente y no un arma. Yo tengo amigos que son muy buenos fotógrafos de calle, los cuales hacen su trabajo con tal discreción que pueden tomar un retrato sin que la persona se dé cuenta de que ha sido fotografiada. Por cierto hay algunas excepciones, pero yo creo que las personas no son cebras y que nosotros no somos cazadores. Resumiendo el punto, yo fotografío gente anciana de modo similar a cómo a mí me gustaría que alguien tome fotografías de mi abuela

2.    Pregúntese a sí mismo – Comprendo qué es un retrato?

Un Retrato es una pintura, fotografía, escultura u otra representación artística de una persona […] el propósito es mostrar el aspecto, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona” (de Wikipedia)

Aunque esto sea una definición muy básica del concepto, puede ayudarnos a entender la verdadera naturaleza de un buen retrato fotográfico. Un retrato debe contar una historia. ¿Qué tipo de historia? Una historia acerca de la persona de la imagen. ¿Cómo puede usted contar una historia de una persona en una imagen? ¡Usted no puede! No podrá nunca capturar la historia entera, porque los seres humanos son demasiado complejos. Pero usted puede ya sea elegir enfocarse en una emoción específica expresada por el sujeto o por usted mismo. Yo llamo al primer método “destacando”, en el cual usted no participa en una historia específica, ni en un momento específico.
Por ejemplo: cuando yo tomé la foto de la niña japonesa (arriba) estaba tratando de destacar este momento específico, cuando ella sostiene la mano de su madre, cuando todavía no está decidida – si dejarla o sostenerla con más fuerza.
Algunas veces las mejores historias no revelan la historia completa de una vez. Como en esta imagen de China (debajo). ¿Usted piensa que esta niña está esperando a alguien que vendrá pronto, o que ella está mirando a alguien que se marchó?
El segundo método, en el cual es usted el que imprime su propio sentimiento en la historia, puede comenzar respondiendo la siguiente pregunta: ¿Cómo se sintió usted cuando conoció o se encontró con esta persona? Porque una buena imagen es un relato entre dos personas – una en la imagen, y una detrás de la cámara.

3.   Busque emoción

El rostro exótico de alguien de alguna remota tribu es agradable de mirar, pero para que sea un auténtico retrato que relate visualmente una historia, este rostro debe evocar emoción. Steve McCurry llamó a esto “el momento desprevenido”, cuando el espíritu esencial se asoma. Puede ser felicidad, miedo o excitación. La emoción es la mejor manera de crear un enlace entre la imagen y sus espectadores.

La mejor forma de “capturar” emociones con el sensor de su cámara es eligiendo el momento correcto para oprimir el disparador. Estar en estado de alerta por un momento específico intenso que pueda evocar la historia en el rostro de la persona.   4.    Comience en su zona de confort
Ir por las calles para fotografiar retratos de extraños no es una tarea fácil para empezar. La mejor manera para afilar su oficio es comenzando con una persona que usted ya conoce. Al saltear la necesidad de “romper el hielo” le será más fácil pensar en otros importantes elementos en su retrato, tales como la luz, composición, posiciones y color. Usted no tiene que viajar lejos para un rostro interesante; puede comenzar con amigos y familia.

5.    Salga de su zona de confort
Un día sin aprender nada nuevo es un día malgastado. Una de las cosas más importantes a tener en cuenta cuando trabaja con fotografía de retratos es que, en general, el problema somos nosotros mismos. -“Yo no quiero herir o ofender”, y -“yo no quiero invadir la privacidad de nadie” son todas excusas que nos decimos a nosotros mismos, acerca de por qué fotografiamos a gente con teleobjetivos desde lejos. Por tanto, si usted realmente quiere llevar su fotografía de retrato hasta un próximo nivel y ser capaz de evocar emoción en sus trabajos, tiene que, como dice mi madre: “fingirlo hasta hacerlo”. Esto no es tan complicado como parece a sus oídos. Salga a las calles, encuentre una persona interesante y simplemente acérquesele diciendo: “Hola, soy un fotógrafo aficionado y me gustaría tomarle una foto… me encantaría también enviarle una copia”. Usted puede quedar sorprendido con los resultados. Usando esta técnica, la peor cosa que le puede ocurrir es que obtenga una negativa y entonces, simplemente siga adelante hacia la próxima persona.

6.    Elija la distancia focal apropiada

¿cuál es el mejor lente para retratos? Es una muy común pregunta entre mis estudiantes, y la respuesta es simple – no hay un mejor distancia focal para el fotografía de retrato. Usted debería ajustar la distancia focal a su estilo de trabajo. Y cuando considere la compra de su próximo lente, debe tomar en cuenta los siguientes elementos:
          1 La distancia a la cual a usted le gusta en general fotografiar a la gente
          2 El peso que está dispuesto a acarrear
          3 Cuál es la máxima apertura del lente, en función de fotografíar con poca luz y estrechar la profundad de campo
          4 Y por supuesto, el precio

En mi caso, la mayor parte de mis retratos están hechos con un lente de 85mm o un 24-70mm (equivalente en 35 mm)

7.    Elija una distancia focal errónea

Pruebe con este ejercicio creativo. Salga y tome un retrato con un lente con el que usted no haya trabajado en retratos. Si siempre trabaja con un tele, pruebe usar un gran angular. Si prefiere acercarse a su sujeto con el gran angular, de un paso atrás y espere por el momento decisivo. Un buen fotógrafo es uno flexible.

8.     Estudie los grandes maestros del retrato fotográfico

Cuando sea que necesito inspiración, voy a los portfolios de estos grandes maestros de la fotografía:

1. Dorotea Lange – uno de los primeros fotógrafos del Realismo Social
2. Steve McCurry – probablemente el mejor retratista en color en la historia
3. Richard Avedon – único en la fotografía de retrato y modas
4. Sebastiâo Salgado – excepcional retratista documental en blanco y negro
5. Annie Leibovitz – retratos editoriales

9.    Experimente con la profundidad de campo
A todos nos encanta los retratos con muy poca profundidad de campo, lo cual desenfoca todo en el fondo. En los retratos una estrecha profundidad de campo es en general bueno, porque esto guía los ojos del observador directamente al sujeto al ser más nítido que el resto de la imagen. Pero a pesar de esto, advierta, que puede haber una profundidad de campo demasiado estrecha. En tales casos, el foco de nitidez (por el autofoco) puede estar en las cejas o pestañas en vez de en los ojos! Practique para comprender y manejar los elementos que afectan la profundidad de campo: la apertura de diafragma, la distancia focal del objetivo y la distancia al sujeto.

10.    Deje el flash atrás

Cuanto más equipo tenga con ud, menos disponible estará para prestar atención a la persona que está fotografiando. Si estamos trabajando en un estudio fotográfico, entonces la persona a retartar conoce lo que tiene que esperar. Pero no tiene necesidad de llevar su flash a la India, China o exteriores dónde hay tanta hermosa luz disponible. Mejore sus habilidades trabajando con luz natural ANTES de dar el siguiente paso de usar reflectores, flashes o cualquier otro equipo extra.

11.    No siga a la muchedumbre

Haga este pequeño ejercicio: escriba “mujer con cigarro en Cuba” en Google y vea que ocurre. La misma mujer aparece en casi todas las fotos, verdad? Esas son imágenes de muchos fotógrafos diferentes. Yo no quiero herir a nadie, pero cómo es que con 3 millones de personas visitando el país cada año y con una población de 5.612.165 mujeres, la misma mujer surge en casi todas las imágenes? De aquí se desprende un consejo para usted: antes de ir a alguna parte, cualquier lugar, cerca o lejano, trate de conocer el lugar, la cultura y la “historia” de la persona que tiene delante. Al hacer esto, usted no caerá en la trampa de la “falsa autenticidad”

12.    Tenga en cuenta el fondo

Se requieren muchos elementos para crear un retrato interesante: luz, composición, ángulo, etc., pero hay un elemento tan importante que algunas veces le presto toda mi atención: el fondo. Se puede pensar el fondo en dos niveles. Primero, como un elemento estético. Asegúrese de que no haya elementos que distraen, tales como colores brillantes u objetos en movimiento en el fondo. Segundo, como un elemento para darle vida a su historia.

13.    Mantenga siempre la diversión

Si está trabajando con sujetos que no son modelos pagos, usted debe dar algo a cambio de tomar la foto. Yo no quiero discutir aquí el pago a la persona (quizás en otra ocasión) pero usted debe hacer lo posible para que el momento sea fácil y divertido para su sujeto: contando un chiste, haciendo una broma, mostrándoles  la imagen de atrás de la cámara, asegurándose de que no estén en el sol, etc. son buenos puntos para empezar.

14.     Pregunte siempre el nombre de la persona

No importa si usted esta haciendo retratos de viaje de extraños o trabajando como un fotógrafo de bodas; siempre pregunte el nombre de la persona y si se lo prometió, envíele la foto. No se excuse en la barrera del lenguaje. Si no trabajo con alguien local que me ayuda en la traducción, siempre tengo un diccionario de frases o trato de usar dibujos o imágenes que puedan ayudar a comunicarme.

15.    Agregue profundidad a su imagen con una iluminación a 45 grados

Piense con cuidado cuál es la dirección de la luz. Colocando el sujeto a retratar a un ángulo de 45 grados respecto a la fuente de la luz, podrá crear un maravilloso efecto de volumen. De este modo hice esta foto (Inferior) la que fue tomada en un almacén de Georgia, usando solamente la luz natural que entraba por una ventana de la derecha.

Y una cosa más: …

¡DISFRUTE!

No importa si usted esta fotografiando gente por hobby o está realizando un trabajo pago. Aprenda a disfrutar del proceso y no sólo del resultado (la imagen fina). Disfrute cada vez más el conocer a otros y el superar las barreras culturales. Si usted hace lo que hace con pasión, sus espectadores podrán ver esto de inmediato.

Título original :

 15 Tips for More Powerful Portraits by  Oded Wagenstein 
Original en inglés: http://digital-photography-school.com/15-tips-powerful-portraits

Sobre la Creatividad y el Artista

Una serie de pensamientos de diversos autores y artistas acerca de la actividad creativa

 En arte no hay reglas porque el arte es libre. (Vasili Kandinsky)

 Sabed, pues, que el artista crea para él, únicamente para él. (Rilke, en "Diario Florentino")

La función del artista creativo consiste en hacer las leyes, no en seguir las leyes ya existentes. (Ferruccio Busoni)

 En el instante en que sabes cuál ha de ser el resultado estás perdido. (Juan Gris)

 Vivir es no estar seguro, no saber nada acerca del próximo momento. En el momento en que sabes comienzas a morir un poco. El artista nunca sabe por completo; adivina. Tal vez nos equivocamos, pero damos salto tras salto en la oscuridad. (Agnes De Mille)

 No tengo demasiado respeto por el talento: depende de los genes. Lo que importa es lo que hagas con él. (Martin Ritt)

 Cuando no se puede crear se puede trabajar. (Henry Miller, en "Día por día")

 Existe una lógica de los colores a la cual el pintor debería adaptarse, que no es la lógica del cerebro. (Paul Cèzanne)

 La creación de algo nuevo no se logra con el intelecto sino por el instinto lúdico que actúa desde una necesidad interior. (Carl Jung)

 ... parece que escribimos, no con los dedos, sino con todo nuestro ser. El nervio que gobierna la pluma se enreda en cada fibra de nuestro ser, entra en el corazón, traspasa el hígado. (Virginia Woolf: "Örlando")

 En una palabra: el artista es algo así como una campana que recibe y reproduce las vibraciones del mundo y del hombre. No saca nada de la nada. No inventa nada. Combina, solamente, los elementos que el medio y la sociedad le brindan constantemente. (Elías Castelnuovo: "El Arte y las Masas")

 Ningún artista sabe a ciencia cierta cuándo repite y cuándo deja de ser un órgano de repetición. Lo mismo le sucede al hombre de ciencia, al sabio, al inventor o al obrero. Los más grandes inventos que consigna la historia se efectuaron paulatinamente de generación en generación, aunque lleven casi todos la marca de fábrica del último que dio en el clavo. (ibídem)

 Saber lo que se quiere es el comienzo de la sabiduría y de la madurez. La juventud es absolutamente experimental. La esencia y encanto de esta inquieta y deliciosa época es la ignorancia de uno mismo y de la vida. (Robert L. Stevenson, en "Carta a un joven que se propone abrazar la carrera del Arte")

 Todo hombre que tiene una idea nueva es loco, hasta que la idea tiene éxito. (Mark Twain)

 Y qué otra cosa hay en esta vida que esa ilusión por perseguir un sueño, un sueño que es posible e imposible a la vez... (en la escena final de "Los amores de Kafka")

 La inteligencia no debe ser más que un auxiliar del instinto. Debe servir aquélla para encauzar éste, para darle forma, para domarlo; pero nunca para destruírlo, pese a cuantos dogmas llenan los libros escolásticos. Error funesto es decir que hay que comprender la Música para gozar de ella. La música no se hace, ni debe jamás hacerse para que se comprenda sino para que se sienta. (Manuel de Falla en "Enciclopedia Abreviada de la Música", de J. Turina)

 La música es el arte de coordinar los sonidos, de acuerdo con el egoísmo creador del artista y su completa indiferencia a toda ley extraña a su propia sensibilidad. (Alfredo Casella en "La Evolución de la Música")

 El canto popular debe volar libre (no hay que armonizarlo). (Joaquín Turina, en un escrito de 1934)

 Una vida sin cuestionamientos no vale la pena de ser vivida. (Platón)

 ...todo cambio y toda renovación no son sino expresiones distintas de una verdad eterna. (Ernest Toch, en su libro "La Melodía")

 Todavía estoy aprendiendo. (Escrito por Goya en un dibujo que hizo a los ochenta años)

 Escribo para mí, para mis amigos y para atenuar el paso de tiempo. (J.L.Borges)

 No se llega a viejo por haber vivido cierto número de años. Uno llega a viejo porque ha abandonado su ideal. Los años arrugan la piel, renunciar al ideal arruga el alma. (Douglas Mac Arthur, 1945)

 La vida es más completa y más interesante cuando el hombre lucha contra aquello que le impide vivir. (Máximo Gorki: "El Reloj")

 Solamente cuando ya no sabe lo que está haciendo, un pintor hace cosas buenas. (Edgar Degas)

 La música se ha hecho para lo inexpresable. (Claude Debussy, conversando con su maestro Guiraud)

 ..., pues no hay ni puede haber explicación convincente acerca de la causa a que obedece el que una misma cosa guste a unos y disguste a otros. (León Tolstoi, en su libro "¿Qué es el Arte?")

 En un rincón de nosotros, adultos, vive el piloto solitario, el explorador de África, el navegante de mares desconocidos. En algún lugar nos habita el aventurero intrépido. En algún lugar nos habita, si nos fué permitida la acción propia de la etapa de la práctica, un ser alegre que en algún momento supo descubrir maravillas por doquier. Hoy hemos escarmentado, se nos ha puesto límites, pero si tenemos suerte volvemos a sentir de vez en cuando el contacto de aquella autointoxicación, aquel sentido de lo maravilloso. Cuando Whitman ruge: "Me celebro y canto a mí mismo...", podemos escuchar el grito balbucenate del niño que explora a través de su práctica. (Judith Viorst, en "El Precio de la Vida")

 A ningún creador pueden gustarle los críticos. Hay demasiada diferencia entre las dos actividades. Una es creación, la otra cirugía. Por más justificada que sea la crítica siempre es infligida por alguien que no tiene (un eunuco) sobre alguien que tiene (un generador); por alguien que no arriesga nada sobre alguien que pone en juego la mayoría de su ser, tanto económico como inmortal. ( )

 Las obras de arte son de una infinita soledad, y por nada tan poco abordables como por la crítica. Solamente el amor puede comprenderlas y tratarlas y ser justo con ellas. (R. M. Rilke en "Cartas a un joven poeta")

 La biología actual corrobora a Darwin: llevamos el pasado en nosotros. No empezamos, ni podemos empezar, todo de nuevo en cada generación, porque el pasado está indeleblemente grabado en nuestro sistema nervioso central. Cada uno es parte de una enorme trama física, mental y espiritual de vidas, modos de pensar, comportamientos y percepciones previos, y de acciones y sentimientos hasta mucho más atrás de lo que llamamos "historia". Somos filamentos de una mente universal. Soñamos sueños mutuos y también los de nuestros antepasados. Así, el tiempo no es lineal sino radial. (George Rochberg, compositor citado por Don Sebesky en "The Contemporary Arranger")

 ... Y cuando en las noches quietas y frías dirigía el hocico hacia alguna estrella y aullaba como un lobo, eran sus antepasados, muertos y ya convertidos en polvo, los que dirigían el hocico a las estrellas y aullaban a través de los siglos. Y las cadencias de Buck eran las cadencias de ellos, las cadencias con que expresaban su pena y el significado que para ellos tenían el silencio, el frío y la oscuridad. (de 'El llamado de la selva", de Jack London)

Citas destacables de autores varios

-- "Viviendo es como nos descubrimos, a la vez que descubrimos el mundo exterior; ese mundo nos da forma, pero también podemos actuar sobre él. Debe establecerse un equilibrio entre esos dos mundos, el interior y el exterior que, en un diálogo constante, forman uno solo, y ese es el mundo que debemos comunicar."
Henry Cartier-Bresson
-- "Sólo desde la pasión y de la pasión fantástica se consigue un sentido de realidad en el arte y en la vida"
María Short
-- "La fotografía pertenece tanto al reino de la realidad como al de la imaginación: aunque en ocasiones da preferencia a uno sobre el otro, nunca renuncia a ninguno de los dos."
Juliet Hacking

de "El Camino del Artista"

de EL CAMINO DEL ARTISTA de Julia Cameron (1992) (Ed. Troquel)

No pienses en hacer "lo que deberías" hacer. Trata de hacer lo que te atrae; piensa en el misterio y no en la maestría.

Aunque hayas hecho una obra de arte realmente espantosa, puede tratarse de un eslabón necesario hacia tu próximo trabajo.

Demos lugar al artista juvenil para que intente, se equivoque y vuelva a intentar. Recordemos que en la naturaleza toda pérdida tiene un significado. Lo mismo para nosotros. Bien usado, un fracaso puede ser el abono que nutra en éxito de la siguiente estación creativa. La maduración y la cosecha son procesos a largo plazo y no una receta rápida.

La creatividad nunca ha sido sensata. ¿Por qué habría de serlo? ¿Por qué tú deberías ser sensato?

A lo largo del tiempo, lo que un artista necesita es entusiasmo, no disciplina.

La ansiedad es un combustible: podemos usarla para escribir, para pintar, para trabajar con ella.

Como artista mi autoestima proviene de realizar mi trabajo. No necesito ser rica pero necesito mucho aliento. No puedo permitir que mi vida intelectual o emocional se estanquen, o mi trabajo sufrirá. Mi vida y mi temperamento sufrirán: si no puedo crear me pongo de mal humor.

Una cólera verdadera brota cuando sentimos que parientes o amigos bien intencionados interfieren en un nivel que impide la continuación de nuestro arte: reaccionamos como si se tratara de un asunto de vida o muerte y en verdad lo es.

El arte es una acción del alma y no del intelecto.

El proceso de creación es un proceso de entrega y no de control.

De "Free Play"

de FREE PLAY de Stephen Nachmanovitch - Ed. Planeta, 1990

Si nos sentimos seguros de lo que sucederá, nos atamos al futuro y nos aislamos de las sorpresas esenciales.

Una vida creativa es una cuestión riesgosa. Seguir el propio curso, no trazado por los padres, por nuestros pares o por las instituciones, implica un delicado equilibrio de tradición y libertad personal, un delicado equilibrio de ser fiel a uno mismo y permanecer abierto al cambio.

El hecho de que la improvisación se pierde en el aire nos hace apreciar que cada momento de la vida es único... un beso, un atardecer, una danza, un chiste. Ninguno volverá a repetirse de la misma manera. Cada uno sucede una sola vez en la historia del universo.

Lo que es la piedra para el escultor es el tiempo para el músico. Cada vez que se levanta para tocar, el músico se enfrenta con su pedazo de tiempo sin esculpir. Sobre este vacío aparentemente sin contornos tiende, quizás, un arco de violín, que es una herramienta para tallar o dar forma al tiempo... o, digamos, para descubrir o liberar las formas latentes en ese momento único del tiempo.

Un artista en ciernes puede tener las más profundas visiones, sentimientos e insights, pero sin destreza no hay arte.

La improvisación, como experimento lúdico, es la recuperación en cada uno de nosotros de la mente salvaje, de nuestra mente original de niños.

Es en el juego y sólo en el juego que el niño o el adulto como individuos son capaces de ser creativos y de usar el total de su personalidad, y sólo al ser creativo el individuo se descubre a sí mismo. (Psiquiatra Donald Winnicott)

[Otro momento para experimentar sin temor a las consecuencias, para tener un espacio de juego sin temor a las críticas] es el estudio del arte, donde podemos probar cosas y descartarlas tantas veces como sea necesario. Una vez Brahms señaló que la medida de un artista es la cantidad de material que descarta. La naturaleza, gran creadora, siempre está descartando cosas. Una rana pone varios millones de huevos por vez. Sólo algunas docenas se convierten en renacuajos, y sólo algunos de ellos en ranas. Podemos permitir que la imaginación y la práctica sean tan prolíficas como la naturaleza.

El dominio viene de la práctica, la práctica viene de la experimentación juguetona y compulsiva (...) y de una sensación de algo maravilloso (...) El músico, el atleta, el bailarín continúan con su práctica a pesar de los músculos doloridos y de quedarse sin aliento. Este nivel de actuación no lo logra ninguna exhortación calvinista del superyó, a través de sentimientos de culpa u obligación. En la práctica el trabajo es juego, es intrínsecamente gratificante. Es sentir a nuestro niño interno que pide jugar sólo cinco minutos más.

Puede ser, entonces, que la forma nos sirva mejor cuando actúa como obstrucción, para desconcertarnos y desviar el curso que pensábamos seguir. Puede ser que cuando ya no sepamos qué hacer hayamos llegado a nuestro verdadero trabajo, y que cuando ya no sepamos adónde ir hayamos comenzado el verdadero viaje. La mente que no se desconcierta no se está empleando. El arroyo que encuentra un obstáculo es el que canta. (Poeta Wendell Berry)

A veces, cuando descubro que no he escrito una sola frase después de haber borroneado páginas enteras, me desplomo en mi sillón y allí me quedo, mareado, hundido en un pantano de desesperación, odiándome y culpándome por este orgullo demente que me hace encapricharme por una quimera. Un cuarto de hora después todo ha cambiado; el corazón me da saltos de alegría. (Gustave Flaubert)

Llega el momento en que nos damos cuenta de que nos hemos enamorado de nuestro instrumento, de nuestras herramientas de escultor, del piso en que bailamos, de nuestra computadora. Estamos enamorados de la música, el arte, la literatura, la cocina, la física. Amamos la belleza, el trabajo bien hecho, el material, los instrumentos. Sentimos la sensualidad de tocar, y de escuchar, leer, ver, aprender. El deseo de aprender y jugar, si lo tenemos, el poder que motiva la creación, es parte de nuestra estructura innata, esas ansias de llegar más allá de nosotros mismos.

Cualquiera que desee expresar significado con símbolos y palabras, con música, pintura, debe encontrar cierto placer en las tareas imposibles, poseer la voluntad de tolerar una gran frustración, un toque de Quijote.

Uno de los tipos de presión más insidiosos a los que puede sucumbir un artista es la presión a ser accesible. Los buenos consejeros pueden decirle a Ud. que X es accesible, vendible, popular, etc.., y por cierto puede haber artistas que hacen lo mismo que X espontáneamente y se hacen populares y ricos. Pero si Ud. altera su trabajo para parecerse más a X, la gente se dará cuenta de que no es auténtico; no será un X que salga del corazón porque no se origina en su propio ser. Por cierto que Ud. debe desarrollar y revisar su trabajo para comunicarse cada vez con más claridad; pero si altera una palabra para agradar a algún mercado imaginario que hay "por allí", pone en peligro la integridad y originalidad de todo lo que haga. (...) Al resistir la tentación de ser accesible Ud. no está excluyendo al público; por el contrario, está creando un espacio genuino e invitando a entrar en él a la gente.