Materiales de la Foto Terapia (FT)

Los siguientes materiales son los más frecuentemente utilizados en la Fototerapia dentro de un marco terapéutico:

♦   Fotos creadas para la Fotografioterapia (FT)

→ 111: 1día, 1foto y 1 reflexión personal . Las fotos del día (FD)
→ Cita con uno mismo (CU) - Improvisación
→ Expresando-me (EM) - Planificación
→ Autorretrato (AR) (Imagen de uno mismo). Autorretrato o selfie, correlación entre imagen corporal inconsciente y real
→ Fotos proyectivas (FP)

♦   Fotos tomadas para otros fines

→ Sacadas por nosotros
→ Sacadas por amigos o familiares
→ Álbum familiar (técnica particular de fototerapia conocida como FotoBiografía)
→ Sacadas por extraños (incluyendo revistas, libros, periódicos, etc.)

♦   Temas de las fotos

→ Fotos en que aparece uno mismo
→ Fotos en que aparece la familia, amigos o conocidos
→ Fotos de desconocidos
→ Fotos sin presencia humana significante
→ Fotos abstractas

♦   Creatividad y Salud

→ Medios de liberación de la propia creatividad. Mindfulness
→ Creatividad e Improvisación
→ Creatividad y Planificación

Composición Fotográfica 2

MOTIVO PRINCIPAL

Se destaca:

-       Acercarse

-       Foco diferencial (PDC)

-       Tono diferencial

-       Perspectiva lineal

-       Perspectiva atmosférica

-       Fondo parejo

-       Golpes de flash

-       Laboratorio – Edición

Ubicación en el encuadre:

-       Aire

-       Regla de los tercios

-       Sección áurea

-       Lectura de la imagen

CONSEJOS DE LOVELL

1) Uso de la cámara:

            - Sujete bien la cámara

            - No la mueva al disparar

            - Dispare suavemente

2) Exploración de la escena:

            - Cambie de distancia al sujeto

            - Cambie de punto de vista y de perspectiva

            - Mantenga ocupado al sujeto

            - Enmarque estrictamente al sujeto

            - No haga sólo fotos horizontales

            - No tema experimentar

            - Varíe la exposición

3) Composición:

            - Sencillez

            - Atención al motivo o centro de atención

            - Regla de los 1/3 y la sección áurea (3/5)

            - Centrar motivos simétricos

            - Atender a las líneas dominantes

            - Relaciones sujeto – fondo:

                                   - A veces el fondo aporta

                                   - Destacar el motivo principal

4) Relación con el sujeto:

            - Hablarle

            - Mantenerlo activo, darle algo

            - Estar atento al momento oportuno

de "El Camino del Artista"

de EL CAMINO DEL ARTISTA de Julia Cameron (1992) (Ed. Troquel)

No pienses en hacer "lo que deberías" hacer. Trata de hacer lo que te atrae; piensa en el misterio y no en la maestría.

Aunque hayas hecho una obra de arte realmente espantosa, puede tratarse de un eslabón necesario hacia tu próximo trabajo.

Demos lugar al artista juvenil para que intente, se equivoque y vuelva a intentar. Recordemos que en la naturaleza toda pérdida tiene un significado. Lo mismo para nosotros. Bien usado, un fracaso puede ser el abono que nutra en éxito de la siguiente estación creativa. La maduración y la cosecha son procesos a largo plazo y no una receta rápida.

La creatividad nunca ha sido sensata. ¿Por qué habría de serlo? ¿Por qué tú deberías ser sensato?

A lo largo del tiempo, lo que un artista necesita es entusiasmo, no disciplina.

La ansiedad es un combustible: podemos usarla para escribir, para pintar, para trabajar con ella.

Como artista mi autoestima proviene de realizar mi trabajo. No necesito ser rica pero necesito mucho aliento. No puedo permitir que mi vida intelectual o emocional se estanquen, o mi trabajo sufrirá. Mi vida y mi temperamento sufrirán: si no puedo crear me pongo de mal humor.

Una cólera verdadera brota cuando sentimos que parientes o amigos bien intencionados interfieren en un nivel que impide la continuación de nuestro arte: reaccionamos como si se tratara de un asunto de vida o muerte y en verdad lo es.

El arte es una acción del alma y no del intelecto.

El proceso de creación es un proceso de entrega y no de control.

Composición Fotográfica I

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

ELEMENTOS:

1)    Puntos y Líneas: horizontal, vertical, diagonal, recta, quebrada, curva.

2)    Planos y Figuras: (formas)  bidimensional.

3)    Cuerpos y Volumen: (formas) masas, volúmenes.

4)    Texturas: liso, rugoso, sensación táctil.

5)    Tonos: amplitud tonal o gama dinámica, contraste, y graduación (profundidad tonal).

6)    Color: fríos, cálidos, complementarios, pastel, saturación.

ORGANIZACIÓN:

1)    Encuadre y Formato: Horizontal, vertical, oblicuo. Planos corto, americano, cuerpo. Rectangular, cuadrado, panorámico. Ópticas.

2)    Punto focal o de interés: Presente o no. Su ubicación en el encuadre

3)    Plano focal: Plano en el que se enfoca.

4)    Angulo, Óptica y Perspectiva: picado, contrapicado, laterales. Perspectiva lineal, atmosférica y PDC

5)    Geometría: Simetría o asimetría. Tercios, sección áurea y equilibrio. Horizonte, aire y caminos de la mirada.

6)    Ritmo: repetición de líneas, formas, colores.

7)    Unidad y variedad: diferentes pero coherentes.

8)    Primer plano y fondo: exclusión, apoyo mutuo.

ILUMINACIÓN:

1)    Intensidad: asa, definición, ruido, grano, exposición.

2)    Exposición: Diafragma y velocidad: enfoque selectivo, PDC, sensación de movimiento, congelar el movimiento.

3)    Dirección: contraluz, lateral, frontal, modelado, volumen.

4)    Temperatura color, Balance de blancos: adecuada, efectos especiales.

5)    Calidad: Fuente puntual: directa, snoot o panal de abejas > dura. Fuente amplia: difusa o reflejada > suave o blanda.

De "Free Play"

de FREE PLAY de Stephen Nachmanovitch - Ed. Planeta, 1990

Si nos sentimos seguros de lo que sucederá, nos atamos al futuro y nos aislamos de las sorpresas esenciales.

Una vida creativa es una cuestión riesgosa. Seguir el propio curso, no trazado por los padres, por nuestros pares o por las instituciones, implica un delicado equilibrio de tradición y libertad personal, un delicado equilibrio de ser fiel a uno mismo y permanecer abierto al cambio.

El hecho de que la improvisación se pierde en el aire nos hace apreciar que cada momento de la vida es único... un beso, un atardecer, una danza, un chiste. Ninguno volverá a repetirse de la misma manera. Cada uno sucede una sola vez en la historia del universo.

Lo que es la piedra para el escultor es el tiempo para el músico. Cada vez que se levanta para tocar, el músico se enfrenta con su pedazo de tiempo sin esculpir. Sobre este vacío aparentemente sin contornos tiende, quizás, un arco de violín, que es una herramienta para tallar o dar forma al tiempo... o, digamos, para descubrir o liberar las formas latentes en ese momento único del tiempo.

Un artista en ciernes puede tener las más profundas visiones, sentimientos e insights, pero sin destreza no hay arte.

La improvisación, como experimento lúdico, es la recuperación en cada uno de nosotros de la mente salvaje, de nuestra mente original de niños.

Es en el juego y sólo en el juego que el niño o el adulto como individuos son capaces de ser creativos y de usar el total de su personalidad, y sólo al ser creativo el individuo se descubre a sí mismo. (Psiquiatra Donald Winnicott)

[Otro momento para experimentar sin temor a las consecuencias, para tener un espacio de juego sin temor a las críticas] es el estudio del arte, donde podemos probar cosas y descartarlas tantas veces como sea necesario. Una vez Brahms señaló que la medida de un artista es la cantidad de material que descarta. La naturaleza, gran creadora, siempre está descartando cosas. Una rana pone varios millones de huevos por vez. Sólo algunas docenas se convierten en renacuajos, y sólo algunos de ellos en ranas. Podemos permitir que la imaginación y la práctica sean tan prolíficas como la naturaleza.

El dominio viene de la práctica, la práctica viene de la experimentación juguetona y compulsiva (...) y de una sensación de algo maravilloso (...) El músico, el atleta, el bailarín continúan con su práctica a pesar de los músculos doloridos y de quedarse sin aliento. Este nivel de actuación no lo logra ninguna exhortación calvinista del superyó, a través de sentimientos de culpa u obligación. En la práctica el trabajo es juego, es intrínsecamente gratificante. Es sentir a nuestro niño interno que pide jugar sólo cinco minutos más.

Puede ser, entonces, que la forma nos sirva mejor cuando actúa como obstrucción, para desconcertarnos y desviar el curso que pensábamos seguir. Puede ser que cuando ya no sepamos qué hacer hayamos llegado a nuestro verdadero trabajo, y que cuando ya no sepamos adónde ir hayamos comenzado el verdadero viaje. La mente que no se desconcierta no se está empleando. El arroyo que encuentra un obstáculo es el que canta. (Poeta Wendell Berry)

A veces, cuando descubro que no he escrito una sola frase después de haber borroneado páginas enteras, me desplomo en mi sillón y allí me quedo, mareado, hundido en un pantano de desesperación, odiándome y culpándome por este orgullo demente que me hace encapricharme por una quimera. Un cuarto de hora después todo ha cambiado; el corazón me da saltos de alegría. (Gustave Flaubert)

Llega el momento en que nos damos cuenta de que nos hemos enamorado de nuestro instrumento, de nuestras herramientas de escultor, del piso en que bailamos, de nuestra computadora. Estamos enamorados de la música, el arte, la literatura, la cocina, la física. Amamos la belleza, el trabajo bien hecho, el material, los instrumentos. Sentimos la sensualidad de tocar, y de escuchar, leer, ver, aprender. El deseo de aprender y jugar, si lo tenemos, el poder que motiva la creación, es parte de nuestra estructura innata, esas ansias de llegar más allá de nosotros mismos.

Cualquiera que desee expresar significado con símbolos y palabras, con música, pintura, debe encontrar cierto placer en las tareas imposibles, poseer la voluntad de tolerar una gran frustración, un toque de Quijote.

Uno de los tipos de presión más insidiosos a los que puede sucumbir un artista es la presión a ser accesible. Los buenos consejeros pueden decirle a Ud. que X es accesible, vendible, popular, etc.., y por cierto puede haber artistas que hacen lo mismo que X espontáneamente y se hacen populares y ricos. Pero si Ud. altera su trabajo para parecerse más a X, la gente se dará cuenta de que no es auténtico; no será un X que salga del corazón porque no se origina en su propio ser. Por cierto que Ud. debe desarrollar y revisar su trabajo para comunicarse cada vez con más claridad; pero si altera una palabra para agradar a algún mercado imaginario que hay "por allí", pone en peligro la integridad y originalidad de todo lo que haga. (...) Al resistir la tentación de ser accesible Ud. no está excluyendo al público; por el contrario, está creando un espacio genuino e invitando a entrar en él a la gente.

Tips para Fotografía Nocturna

Básicamente hay dos tipos de fotografía nocturna en larga exposición:

- Cuando los elementos de la toma están iluminados (Ej.: edificios iluminados de la ciudad)
- Cuando queremos iluminar esos objetos con una pequeña fuente de luz (Ej.: noche cerrada utilizando la luz de la luna o de las estrellas o al final de la hora azul al anochecer en el campo o lugares sin iluminación artificial)

Recordemos que la fotografía nocturna es el resultado de experimentación y ensayo y error.

1. ACCESORIOS:

- Trípode: A veces es recomendable que tenga burbuja para poder fijar un buen horizonte, ya que no lo alcanzamos a notar a simple vista por la falta de luz.
- Cable Disparador

- Tapa de Ocular
- Parasol
2. AJUSTES DE LA CAMARA:

1. Quitar filtros uv u otro y colocar parasol
2. Enfocar con punto central
3. Modo Av, Tv o manual
4. ISO baja 100
5. Diafragmas cerrados f 8-16 para mayor profundidad de campo y obtener tiempos largos

6. Tapar ocular
7. Bloqueo de espejo
8. Activar eliminación de ruido (sacando en JPGE)

9. Realizar las tomas en Raw
10. Para B&N realicemos las tomas en color

11. Prestar atención a la temperatura de color (balance de blancos)

12. Conveniencia del doble ahorquillado de exposición y del balance de blancos

1. Con filtros colocados y con largas exposiciones si hay alguna luz incidente en el objetivo, nos puede producir flares; muchas veces según la luz reflejada es útil un parasol. Además de quitar filtros (o a veces en su reemplazo) siempre habría que utilizar un parasol en las tomas nocturnas urbanas con largas exposiciones -digamos de varios segundos en adelante- porque es fácil que un reflejo en el lente frontal del objetivo no advertido, por su baja intensidad, se intensifique con el tiempo.

2. Con el punto central enfocar sobre una luz lejana o punto de contraste importante, luego se pasa a Manual para encuadrar. Otras pciones serían a) Usar el foco manual, a veces muy útil en estas ocasiones en que suele ser difícil el AF. b) Hacer AF y luego manteniendo presionado el botón AF-ON (en las Canon deshabilita el AF del botón disparador - previo seteado) reencuadrar. c) Usar el Live View y el zoom de enfoque (en las cámaras que lo tienen) es quizás la mejor opción.

3. A veces se trabaja en bulbo si los tiempos de exposición según las condiciones son mayores de 30". Una de las mayores dificultades de este tipo de fotografías es la elección de la exposición: si hacemos caso al fotómetro de la cámara los valores de exposición serán muy diferentes dependiendo del encuadre. Hay aquí grandes contrastes que por lo que al fotómetro le resulta prácticamente imposible proporcionar un valor adecuado para la escena y, además, en la mayoría de las ocasiones, las grandes luces quedarán sobreexpuestas. Generalmente habrá que subexponer y decidir sobre la marcha en que medida hacerlo. Por otra parte, hay que tener en cuenta que utilizar Bulbo no es lo más frecuente en una ciudad con luces en calles y edificios (que será el caso de Puerto Madero). Una fórmula aproximada muy usada es ISO 100 f8-16 v4-10" con la cual las luces quedan bien expuestas. Por supuesto esto es sólo orientativo.

4. Si utilizamos ISO elevados producirán ruido, podremos trabajar con valores de ISO bajos pues tendremos velocidades de obturación lentas y la cámara en trípode. Como tope un ISO 400 es más que suficiente pues a valores más altos se genera un tipo de ruido y con ISO 100 y muchísimos segundos se genera un ruido que es el aleatorio. Obviamente que depende de la cámara utilizada.

5. Si se enfoca al infinito se puede ajustar la apertura de diafragma totalmente abierta (número f menor) sin reducir apenas la profundidad de campo (considerar la distancia hiperfocal), y obtener más luminosidad. Tener que en cuenta que la abertura del diafragma influye en el tamaño del halo que forman las fuentes luminosas: mientras más pequeña es la abertura (número de f alto), los puntos luminosos quedan más estrellados y mientras más grande la abertura (número de f bajo), los puntos luminosos son redondos y tienen un halo menor.

6. Recordar tapar el viewfinder para tiempos mayores a 1 segundo, ya que algún rayo de luz puede entrar por el mismo rebotando en el pentaprisma y producir halos de color en la película o sensor. Generalmente los últimos equipos traen un clip que se coloca delante del viewfinder sacando el ocular. Se recomienda tapar el ocular en todos los casos en que se saque una foto sin el ojo en el ocular

7. Es aconsejable bloquear el espejo para evitar trepidaciones en un rango de exposiciones de 1/2 a 2 segundos. Por supuesto usado junto a un cable disparador o autodisparador. Tener en cuenta que si trabajamos en bulbo, no sirve el autodisparador, pues debemos mantener apretado el botón disparador el tiempo que le queramos dar a la expo. Aquí sí o sí hay que usar cable disparador. Pero según no creo que sea necesario utilizar Bulbo en Pto. Madero.

8. Dependiendo de la cámara y a que ISO se realice la toma.

9. Fotografiemos en raw

10. Fotografiemos en color, los monocromos los editaremos luego con nuestro software.

11. La temperatura de color (el balance de blancos) en estos casos es muy difícil de fijar, por la mezcla de luces (también en la hora azul: la Hora Azul comienza unos 30 minutos después de la puesta de sol y que dura otros 30 minutos, aproximadamente. Durante este tiempo, el cielo va cambiando de color progresivamente hasta llegar al negro. Antes de que llegue a la oscuridad completa, y si el cielo está despejado, el color irá tornando a un azul intenso que puede contrastar muy bien con algunos elementos que queramos sacar en la fotografía.) y dependerá de los efectos que queramos lograr, pero es necesario ser concientes de las dominantes de color y decidir.

12. En estas ocasiones es muy útil el doble ahorquillado: de la exposición y del balance de blancos.

Cómo medir una exposición mayor a 30”?
*Con trípode y en Av con ISO 1600 buscar el fotómetro centrado.
*Bajar ISO a 100 y multiplicar la velocidad x 16

Tabla x 16 (1600 a ISO 100)

60 seg. 960 segundos
50 seg. 800
40 seg. 640
30 seg. 480
26 seg. 416
20 seg. 320
16 seg. 256
12 seg. 192
10 seg. 160
8 seg. 128
6 seg. 96
5 seg. 80
4 seg. 64
3 seg. 48
2 seg. 32

La Cámara 1

Material del Taller de Fotografía y Creatividad

Consejo práctico: lo primero que se debe hacer luego de sacar la nueva cámara de su caja es leer "todo" el Manual del Usuario. Allí encontrará explicado lo que la cámara puede y no puede hacer, y cómo hacerlo. Tenga en cuenta que ud. pagó por todas las funciones de la cámara y que casi todas pueden serle útiles en alguna oportunidad, pero no podrá aprovechar el momento ni la cámara si no lo leyó antes o no lo sabe.
Algunos manuales están mejor escrito y explicados que otros, además frecuentemente son traducciones del inglés con muchas limitaciones que lo hacen no muy claros en algunas explicaciones. Si no comprende, practique con la cámara con el manual al lado y pregunte a alguien que pueda explicarle. Verá que es un tiempo muy bien invertido.

Teoría Básica 3

Material del Taller de Fotografía y Creatividad

Teoría Básica 2

Material del Taller de Fotografía y Creatividad

Teoría Básica 1

Material del Taller de Fotografía y Creatividad